I Mostra SMTH _ El estadio del espejo

El nuevo Espacio comercial y punto de entrada de los trenes de Alta Velocidad en Galicia, Vialia Estación de Vigo, acogerá El estadio del espejo, una exposición de videoarte con la participación de siete artistas contemporáneos 

  • El reflejo del mundo digital en la sociedad contemporánea es el hilo conductor de esta exposición, patrocinada por la compañía de servicios inmobiliarios NHOOD y dentro de la iniciativa SMARTH, el proyecto para la difusión y promoción del arte digital de SMTH compañía líder en arquitectura tecnologica e ingenieria creativa. 
  • La exposición formará parte de la I Mostra SMTH de Arte Digital, una iniciativa que abarcará exposiciones y convocatorias como el I Certamen SMTH de Arte Digital. 
  • El gran complejo de ocio y servicios para la ciudad de Vigo contará con este espacio permanente dedicado a propuestas audiovisuales artísticas desde su inauguración, el 29 de septiembre. 

Entre el 30 de septiembre y el 15 de diciembre, los ciudadanos que pasen por el gran proyecto urbanístico del Vialia Estación de Vigo podrán disfrutar de una exposición de videoarte de los reconocidos artistas Marina Núñez, Javier Viver, Teresa Rofer, Mit Borrás, Eva Díez, Rachel Lamot y Luigi Honorat. Dichas obras se mostrarán en un sistema de seis pantallas led de formato gigante de alta definición, situadas en puntos clave del espacio público, e inspirado en una red neuronal. 

La exposición es el proyecto encargado para la inauguración de un edificio destinado a ser símbolo de la ciudad de Vigo con la estación de trenes más importante de Galicia e ideado por el Premio Pritzker de arquitectura Thom Mayne. Esta primera colaboración sella un compromiso con SMARTH, el proyecto de la marca española de tecnología creativa SMTH, que será el encargado de dar visibilidad al arte contemporáneo en el interior de sus 43.000 metros cuadrados de instalaciones. 

El estadio del espejo es el título de esta exposición que se adentra en un discurso muy presente en el arte actual: el de la creación de mundos digitales, con todas sus posibilidades de especulación sobre nuevas realidades, y su influencia en la vida corriente de las personas. En este caso, además, el foco se sitúa en la idea del espejo lacaniano, en la que, a través de esta superficie reflectiva, nos reconocemos a nosotros mismos con nuestras pulsiones y nuestros miedos. 

La obra de los artistas seleccionados responde a este planteamiento, trasladando el espejo a grandes pantallas que, a modo de portales dimensionales, nos hacen recapacitar sobre nuestra naturaleza de seres digitales. Una propuesta que cobra especial sentido con su ubicación en un contexto altamente tecnológico y avanzado en cuanto a las interconexiones entre máquinas y humanos, como sin duda lo es una estación de trenes de alta velocidad. 

 

Cartel de la exposición. Foto: Lugar de Ausencia de Eva Díez.

El programa de piezas de vídeo que conforman la exposición trazan precisamente un viaje, que parte de la simbología del hogar primigenio con la obra “fotopoética” de la gallega Eva Díez, hasta los recientes descubrimientos sobre la inmortalidad biológica de las medusas Aurelia, concepto tras la obra de Javier Viver, artista, investigador y especialista en el gran precursor del videoarte español, José Val del Omar. 

Aurelia Immortal. Javier Viver.     

En los diferentes estadios que recorren esta exposición encontramos la definición de nuevas identidades híbridas y mutantes como las reflejadas en las dos piezas de Marina Núñez o las nuevas vías evolutivas que adoptará el humano hipertecnológico en la obra Future Faces, de Rachel Lamot.

Vanitas. Marina Núñez.

Relacionado con los anhelos y necesidades del próximo homo consumens, ávido de experiencias renovadoras, encontramos la obra de Mit Borrás junto a nuevas visiones de la intimidad y el deseo en la pieza de Teresa Rofer. También tiene cabida la resignación ante el fin del mundo y de las relaciones humanas tal como las conocemos hoy en día, en el trabajo de Luigi Honorat para el videoclip de Last Letter to Jayne, la colaboración musical entre el multiinstrumentista italiano Alessandro Baris con el ex miembro de Sonic Youth Lee Renaldo. 

Elastic Jungle. Mit Borrás

Esta propuesta expositiva ha sido llevada a cabo gracias a la iniciativa SMARTH de SMTH en colaboración con uno de los estudios más punteros de creación digital en España, ARAN Art Network que, desde su base en Madrid han desarrollado proyectos de inmersión que conectan experiencia,

Future Faces. Rachel Lamot.

tecnología y creación contemporánea, para diversos festivales y ferias de arte. 

Esta exposición con artistas de gran proyección internacional se integra dentro I Mostra SMTH de Arte Digital un ambicioso proyecto centrado en el desarrollo de prácticas de vanguardia en el ámbito de la tecnología creativa, cuya programación se completará con el I Certamen SMTH de Arte Digital cuya convocatoria se abrirá el 29 y en el que los artistas finalistas mostrarán sus obras en este espacio privilegiado para la difusión del arte contemporáneo que ya nace con un enfoque que mira al futuro para reconocer el presente más inmediato. 

El estadio del espejo comisariada por ARAN Network en I Mostra SMTH de Arte Digital

Del 30 de septiembre al 15 de diciembre. Inauguración 29 de septiembre.

Centro comercial Vialia Estación de Vigo, Praza Estación 1, Vigo, Pontevedra. 

Descargar material de comunicación: aran.live/comunicacion-expo-vialiavigo

La primera muestra SMTH tiene como título El estadio del espejo en referencia al momento, descrito por Jacques Lacan, en el que el ser humano se ve y se comprende a sí mismo ante un espejo por primera vez. En esta exposición realizaremos la  acción de situarnos frente a grandes espejos negros que son a su vez pantallas en las que no solo veremos las obras sino a nosotros mismos, a quienes nos rodean y el entorno en el que nos encontramos. Frente al espejo nos situamos frente a nuestro Innenwelt y nuestro Umwelt (Uexküll) para tratar de observarlos de forma consciente,  comprendiendonos en un entorno y en relación a los demás y a la cultura.

Esta exposición pretende ser un reflejo simbólico de la sociedad occidental contemporánea.  Se sitúa fuera de los cubos blancos de museos y galerías, en uno de esos emplazamientos que el antropólogo francés Marc Augé denominó no-lugares (lugares de transitoriedad como autopistas, habitaciones de hotel, aeropuertos, centro comerciales, supermercados) iguales entre sí en cualquier parte del mundo. 

Imago. Marina Núñez.

En este contexto vamos a poder encontrar, distribuídas en distintos puntos del edificio, cinco grandes pantallas que nos darán acceso al contenido de la exposición. Estos grandes muros de cristal nos recuerdan a El gran vídrio de Marcel Duchamp en el que aparecían varios personajes convertidos en máquinas,  robotizados.  La novia y los pretendientes de Duchamp reflejan lo que en los orígenes del psicoanálisis fueron llamadas pulsiones de vida y de muerte, Eros y Tánatos. 

Afectos Disidentes. Teresa Rofer.

En un momento de la historia en el que el arte no físico se ha integrado en el mercado del arte tradicional a través de los NFT (No Fungible Token), reflexionamos también sobre los problemas de la representación y la ausencia de cuerpo físico (Lyotard).

En 1936 en el manifiesto del matemático Charles Tamkó Sirato,  La cuarta dimensión en el arte se enunciaba que la pintura dejará el plano y se adentrará en el espacio, la escultura de un paso fuera de las formas cerradas e inmóviles, la conquista artística del espacio tetradimensional. Tecnologías actuales, como las pantallas de gran formato y alta resolución,  nos permiten seguir viajando en la dirección que marcaron las vanguardias del siglo XX y conquistar nuevas dimensiones para el arte contemporáneo.

Last letter to Jane. Luigi Honorat. 

Miguel Fernández Campón escribía para la primera exposición de ARAN (Time and Umwelt, 2018): “Durante el siglo XIX, las estaciones de tren sirvieron como puntos referenciales para sincronizar diferentes zonas geográficas. El tiempo único del reloj se imponía, bajo los paradigmas modernos de la puntualidad, a la multiplicidad y singularidad de los tiempos locales (…). La estación deja de ser un lugar donde el viaje se concibe como un movimiento indiferente entre dos puntos neutros del espacio para convertirse en aventura y salto hacia lo desconocido. Frente a la uniformidad del tiempo de la máquina, los viajeros encuentran la flexibilidad y maleabilidad de destinos y metas reversibles, ampliando hasta el infinito las posibilidades de sus desplazamientos y trayectos vitales.”

Emprendemos ahora, cuatro años después del que fuera uno de los primeros recorridos comisariados de arte digital en espacios públicos, este viaje por el mundo digital contemporáneo a través de las pantallas neurona de SMTH, que se sitúan en este nuevo espacio y que pretenden conformar una amplia red que nos de acceso a otras realidades.

  

Dossier de prensa

Eva Díez (Vigo, 1982) es una artista cuyo trabajo puede calificarse de “fotopoético” por la clara intencionalidad lírica que desprenden sus fotografías. En ellas juega con la simbología (la luz, el reflejo o la estética de la ruina) para dar paso a una reflexión sobre la imagen inmemorial del hogar. 

Toda su producción muestra un marcado carácter escenográfico que se ha ido haciendo cada vez más sutil para centrarse principalmente en la pureza del concepto de la habitabilidad del espacio.

En su trabajo, las referencias a la ensoñación poética de Bachelard son frecuentes, teniendo en cuenta la simbología del hogar como una metáfora plástica de nuestro inconsciente, un estímulo para la memoria y la imaginación.

Eva Díez ha exhibido en Museos, Ferias y Galerías de arte contemporáneo de España, Francia, Portugal o Brasil y ha recibido reconocimientos como el Premio de Fotografía Joven Fundación ENAIRE de 2020, el Premio Galicia de Fotografía Contemporánea 2015, el Premio Art Photo Bcn 2015 o el Premio Nacional de Fotografía Profesional LUX ORO, también en 2015.

Marina Núñez (Palencia, 1966)  nos invita a reflexionar sobre cómo afectan a nuestra subjetividad y a nuestra vida las cada vez más habituales interferencias entre lo humano y lo tecnológico. Una constante de su obra ha sido siempre la representación de seres aberrantes, diferentes, los que existen al margen o en contra del canon. Los cuerpos anómalos que pueblan sus cuadros, infografías o vídeos nos hablan de una identidad metamórfica, híbrida, múltiple. Recrea una subjetividad desestabilizada e impura para la que la otredad no es algo ajeno, sino que constituye básicamente al ser humano.

Así, sus mujeres histéricas, medusas, momias, monstruos o cíborgs, a pesar de pertenecer al territorio de los excluidos, no nos resultan lejanos sino que nos afectan e identifican. Y sus imágenes se perciben como espejos ligeramente deformados que nos sugieren que la locura o la monstruosidad son simplemente una cuestión de grado.

La obra de Marina Núñez forma parte de importantes colecciones internacionales, y ha tenido gran difusión dentro y fuera del circuito artístico, con múltiples exposiciones en prestigiosos museos y galerías de Europa, Hispanoamérica y Estados Unidos.

Rachel Lamot (Toledo, 1980). Su formación y crecimiento artístico está muy vinculado a Alemania donde reside durante siete años. A lo largo de este tiempo no solo desarrolla  su propia obra, también se involucra en diferentes proyectos artísticos realizando actividades que van desde el comisariado hasta la dirección artística para cine y publicidad, actividad que actualmente sigue realizando desde su estudio en Madrid.

Las últimas obras son simulacros publicitarios por lo que su obra está íntimamente relacionada con los objetos de consumo y la imagen corporativa. En general los productos que se fingen publicitar tienen que ver con el bienestar físico y mental, el autocuidado. La artista articula, utilizando la publicidad como herramienta, mensajes con cierto carácter perverso y monstruoso. 

Rachel Lamot usa el retrato en sus piezas de video. Los rostros que utiliza como reclamo son las denominadas Future Faces, estas Future Faces presentes en muchas de sus piezas muestran rostros que parecen alterados como producto de una línea evolutiva que ha considerado oportuna eliminar la voluptuosidad para dejar paso a rostros que bien podrían recordar a un dispositivo tecnológicos. 

En Carefulness y Honey, Take care toma forma el debate del nuevo cuerpo optimizado y al servicio de una vida construida por y para la satisfacción de los deseos y el autocuidado a través de nuevos cánones de belleza: la infinita juventud y los cuerpos ligeros, sumisos, jóvenes y la vida flexible y adaptada en toda su extensión.

Teresa Rofer (Logroño,1995) es una artista visual que investiga, desde una perspectiva experimental, las posibilidades expresivas de los medios digitales y cómo se relacionan éstas con la realidad. Realiza sus estudios en la Universidad de Sevilla y en la Universidad del País Vasco, trabajando en contextos de publicidad e imagen hasta 2018, mientras trabaja, simultáneamente, con otros artistas visuales, musicales y otras entidades culturales. Teresa Rofer desarrolla piezas donde despliega, siempre desde un enfoque existencial e intimista, modos de ver reveladores acerca de la fragilidad de un sujeto digital  utópico.

Es una reflexión sobre los afectos a través de la virtualidad. Nos adentra en un escenario plenamente artificial de composición estética que es capaz de trasladarnos a los orígenes de la representación y nos coloca en la confrontación con un presente que obliga de manera axiomática a amarnos a través del sesgo de lo digital. Lo que podemos contemplar en el vídeo inmersivo es el resultado de un largo proceso digital que nos presenta los afectos entre dos cuerpos que fueron virtualizados en una esfera de cámaras cables y computadoras y que ahora son dentro de ese mundo digital paralelo con el que coexistimos.

Entre sus proyectos inmersivos más recientes con ARAN Art Network se pueden destacar su presencia en el stand de Radiotelevisión española de ARCO 2021 o su participación en ARAN360 en la sede Domo360 del festival de arte digital de Madrid (mmmad).

Mit Borrás (Madrid, 1982) BFA por la UCM y especializado en Kunst- und Kulturmanagement en Berlín, desarrolló su investigación en Media Art en la Twente University en Enschede, (Holanda) (2006). Durante este periodo participa intensamente de la escena holandesa. Se traslada a Madrid donde su obra se vincula al panorama del arte contemporáneo madrileño, coordina su trabajo como artista con la dirección de producción de festivales de videoarte y realización de proyectos como comisario independiente. En 2010 se traslada a Berlín a la residencia Glogauair ​ y dirige junto a Rachel Lamot Fünf Galerie. Ha sido coordinador de proyectos culturales de media art y curador el Instituto Cervantes en Berlín. Actualmente compagina su obra con su colaboración como crítico de arte en la revista Neo2. 

La tecnología y el progreso como nuevos paradigmas de culto, los conceptos de salud y deporte y la idea de la ergonomía y lo blando en el desarrollo de las nuevas formas industriales, son los temas que aborda el artista en las obras realizadas a partir de 2014. Sus piezas ensalzan la idea de tecnología y bienestar como una estructura modelo de nuestro tiempo. Los objetos que nos rodean son los objetos que nos definen como individuos y como sociedad. Elastic Jungle actúa como un reflejo de nuestro mundo circundante (Umwelt) desde la perspectiva de una IA. Harmory Corp es una corporación internacional dedicada al bienestar físico y emocional. Un espacio de relajación inspirado en la meditación trascendental tradicional y técnicas avanzadas. Un centro de estudios para la recuperación de la estimulación sensorial y el bienestar.

Luigi Honorat (París, 1986), es un artista francés afincado en Tokio, Japón. Autodidacta, estudió escultura en la Universidad de Arte de Musashino, en Tokio, donde actualmente es profesor. Utiliza los principios escultóricos como base para su práctica de la infografía. En toda su obra, Honorat busca el equilibrio entre el ritmo lento y la proximidad a los materiales de la escultura física y el ritmo muy rápido de la creación de medios digitales. Su práctica se centra en el significado de la realidad y la virtualidad, la materia y los datos, la belleza y lo extraño.  

Honorat ha expuesto extensamente en Francia y Japón, incluyendo en Tokyo Gobiten, el Centro Nacional de Arte, Tokio, JP, 2017; Fuchu Art Museum, Tokio, JP, 2016; Ome Art Festival, Ome, JP, 2015; y Tokyo Gobiten, el Centro Nacional de Arte, Tokio, JP, 2015. Honorat recibió el premio Takashi Shimizu en 2015. En 2018, Apple le encargó, junto con otros cinco artistas, la creación de una nueva obra que mostrara las posibilidades creativas de las tecnologías 3D.

Esta obra de Honorat se creó para el vídeo de la canción “Last letter to Jane”, primer single del álbum “Sintesi” de Alessandro Baris, 2021. Colabora Lee Ranaldo, icono del underground de Nueva York, ex guitarrista y vocalista de Sonic Youth. Tanto la canción como el vídeo simbolizan todas esas relaciones que han estado aquí y desaparecido, perdido de una forma u otra – en su vida. el  transporte ha cesado, la última comunicación, el último vuelo, el último tren.

Javier Viver (Madrid, 1971) es escultor, fotógrafo y autor de fotolibros. Su trabajo se debate entre el documento y la ficción como medios de aparición de lo invisible. Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid con la tesis Laboratorio Val del Omar (2008), publicada el mismo año por Cameo en formato documental. Con ese fin pasó dos años investigando en el Laboratorio PLAT de Val del Omar antes de recibir el encargo -junto a Javier Ortíz-Echagüe- para instalarlo en el Museo Nacional Reina Sofía (2008).

En diciembre de 2015 el estudiante chino de biología marina He Jinru publicó en la revista científica Plos One un artículo sobre las sorprendentes propiedades de la medusa Aurelia, capaz de alcanzar la inmortalidad biológica. Una vez que Aurelia immortal expira, desarrolla la capacidad de regenerar sus células hasta alcanzar la etapa juvenil, como si de un ave Fénix se tratara. Este descubrimiento científico para plantear una narración que oscila entre la documentación científica y la ficción. La historia se cuenta desde el año 2046, en un futuro en el que los avances de la biotecnología han permitido desarrollar una especie transhumana, cuya vida se podría prolongar indefinidamente. Visto desde este futuro ficticio, el descubrimiento de las propiedades de la Aurelia plantea muchas cuestiones sobre el ser humano, la naturaleza, el arte y la inmortalidad.

Más información: hola@aran.live 

Roberto 697 872 990

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